Là où le passé et le futur se rencontrent • VAN Magazine

Plus tôt cet été, j'étais à Athènes avec Joyce DiDonato et l'orchestre Il Pomo d'Oro dans le cadre de leur tournée EDEN, un ambitieux programme pluriannuel qui verra les musiciens se produire sur six continents et proposera une multitude d'ateliers pour les enfants locaux. chorales. Alors que DiDonato et moi partagions un trajet en taxi de 30 minutes depuis le camp de réfugiés de Schisto jusqu'au centre-ville après un après-midi d'ateliers de musique, j'avais passé plus de temps à créer des liens avec la poignée de musiciens de Pomo d'Oro qui se sont joints à la sortie. (Un jour un enfant du groupe, un enfant du groupe pour toujours.)

En regardant les sept musiciens se lancer dans un cours de musique pour enfants d'âge préscolaire, j'ai pu observer de près le sens du jeu collectif de l'ensemble qui semble être un droit de naissance. (Tiré du nom d'un opéra d'Antonio Cesti, "pomo d'oro" est à la fois le mot italien pour "pomme d'or" et une reconfiguration du mot pour tomate, "pomodoro". La première de l'œuvre de Cesti impliquait également 73 000 fusées. et un ballet de chevaux de 1 200 sabots.) Une des chansons simples que les enfants chantaient au début et à la fin de leur cours est devenue un leitmotiv pour le reste de l'après-midi parmi les membres de l'orchestre, qui l'ont rapidement reprise sur leurs violons. , altos et violoncelle et l'a frappé comme une balle de tennis à intervalles aléatoires, développant des variations sur le thème. C'était un peu comme la scène d'« Amadeus » où Salieri compose une marche de bienvenue pour l'arrivée de Mozart à la cour de Vienne et où Mozart, après une seule audition (jouée de manière éculée et maladroite par l'empereur Joseph II), non seulement la reproduit de mémoire, mais improvise sur sa mélodie simple, créant finalement l'air des « Nozze di Figaro », « Non più andrai ».

Il n'est donc pas surprenant que le chef d'orchestre d'Il Pomo d'Oro, Maxim Emelyanychev, soit un fan de Mozart. C'est également une marque de la programmation passionnée de l'ensemble en dehors de la tournée EDEN que le premier d'une enquête sur plusieurs albums des symphonies complètes du compositeur s'intitulera « Le début et la fin », juxtaposant la Symphonie n° 1 (K. 16) avec Symphonie n° 41 (K. 551). Proche collègue de Teodor Currentzis, Emelyanychev apporte un esprit similaire aux symphonies de Mozart (ainsi qu'à ses concertos pour piano – ici, le n° 23 sert d'interlude luxueux entre les deux événements principaux).

Le rythme du First est vif, son mouvement d'ouverture sortant comme un bouchon, mais à l'intérieur de la bouteille se trouve un pet nat funky au lieu d'un Perrier-Jouët. Emelyanychev et Pomo d'Oro reprennent un fil conducteur de Neville Marriner et de l'Académie Saint-Martin des Champs quelques décennies plus tôt ; le fil d’un style mozartien plus épuré par rapport à celui de la génération précédente d’orchestres et de chefs d’orchestre. Essayez d'écouter seulement les premières mesures de la Première Symphonie sur cet enregistrement à côté de l'enregistrement de Marriner et de l'Académie de 1972 et de celui de Karl Böhm et de l'Orchestre Philharmonique de Berlin de 1968. Encore plus puissant, comparez le premier mouvement de la Symphonie « Jupiter » entre Pomo d'Oro et l'Académie. Il n'y a rien de désinvolte dans l'approche de Pomo d'Oro, mais cet enregistrement suscite le même sens du jeu que j'ai vu chez ses musiciens en juin.

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De la même manière qu’il devrait y avoir une prison de mots pour la musique classique, il devrait également y avoir une prison de chansons pour les musiciens classiques. Je n’ai plus jamais besoin d’entendre quelqu’un faire « Somewhere over the Rainbow » (désolé, Joyce). Il en va de même pour « Hallelujah » de Leonard Cohen. Bien que Joel Frederiksen et Anna Prohaska aient tous deux défendu ce numéro, trop souvent les chanteurs classiques interprètent la pop dans le vide. Soit ils essaient trop d'être branchés parmi leurs camarades, soit ils tentent « d'élever » un hit du Top 40 à quelque chose qu'il n'est pas. Quoi qu'il en soit, l'effet net vous laisse sympathiser avec la mère de Carrie le soir du bal, parce que vous avez vraiment envie de prendre la chanteuse par les épaules et de crier "Ils vont tous se moquer de vous !"

Certes, je n'avais pas besoin d'entendre Isabel Pfefferkorn chanter « Somewhere over the Rainbow » ou (encore plus déconcertant) « Colors of the Wind » de « Pocahontas » de Disney sur son premier album solo. Cela dit, je ne peux pas arrêter d'écouter sa reprise du tube de Britney Spears « Toxic ». Pfefferkorn et les violoncellistes Anton Mecht Spronk, Paul Handschke, Payam Taghadossi et Zoltán Despond suppriment le crochet de violon samplé par Bollywood de la chanson, l'introduisant à la place avec une ligne de basse laborieuse qui rappelle l'ouverture de « Auf dem Flusse » de « Winterreise ». .» Alors que la vagabonde hivernale de Schubert reconnaît le reflet de son cœur – endurci, mais avec un torrent rugissant en dessous – dans celui du ruisseau gelé, la narratrice du tube de Spears semble également paralysée par un engouement addictif. Cela rappelle l'utilisation abrutissante de la chanson dans « Promising Young Woman » de 2020, et les parallèles lyriques avec le propre récit médiatique de Spears d'une manière que je ne suis pas sûr que Pfefferkorn ait pleinement voulu, mais qu'il tient néanmoins.